ARTE EN LÍNEA

 

Antonio Guerrero ha ido confeccionando interesantes artículos sobre arte que puedes ver a continuación. En ellos podrás encontrar enlaces que nos llevan a profundizar en los temas o a visualizar directamente vídeos relacionados.

 

Un nuevo marco para Las Hilanderas

 

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Cuando los visitantes del Museo del Prado contemplen Las Hilanderas, de Diego Velázquez, se toparán con la creación original, sin los añadidos realizados en el XVIII que provocaron que la escena pareciera más alejada y adoptara un cariz más costumbrista que mitológico. Para conseguirlo se ha instalado sobre la obra un gran panel móvil con un nuevo marco que reduce la pintura a su versión inicial. Cuando algún experto quiera analizar el cuadro completo, podrá acceder a él gracias a un sencillo mecanismo, como si abriera una caja fuerte que da paso a todo el tapiz. (El País, 12.07.2021)

En el vídeo que añadimos se explican las razones que han llevado al Prado a exhibir de esta novedosa forma el famoso cuadro de Velázquez. Es también una invitación para que nos acerquemos  de nuevo al museo para poder contemplar en directo la nueva enmarcación, tal como fue concebida, de tan importante obra.

                                                                                                                       

 
 
 Antonio Guerrero - Visitas exposiciones de arte
 
 
 

Poesías y Pasiones Mitológicas en el Prado

 

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El Museo del Prado acogió desde el 9 de marzo de 2021 hasta el  4 de julio de ese mismo año la exposición Pasiones Mitológicas. Se trataba de una colección de obras procedentes del National Gallery, el Isabella Stewart Gardner Museum y del propio Museo del Prado que reunía algunas de las mejores obras de pintores del Renacimiento y Barroco tan sobresalientes como TizianoVeronese, Velázquez, Poussin, etc.  

"Entre ellas están las llamadas Poesías de Tiziano, denominadas así el conjunto de obras mitológicas que pintó para Felipe II entre 1553 y 1562, integrado por Dánae (Londres, Apsley House), Venus y Adonis (Madrid, Museo del Prado), Perseo y Andrómeda (Londres, Wallace Collection), Diana y Acteón y Diana y Calisto (Edimburgo, National Gallery/Londres, National Gallery) y El rapto de Europa (Boston, Isabella Stewart Garden Museum).

Probablemente fue el propio Felipe II quien encargó a Tiziano en Augsburgo un conjunto de pinturas mitológicas, dándole libertad para elegir los temas y su plasmación pictórica, para exhibirse conjuntamente en un espacio, aún por determinar en el momento del encargo. Las “poesías” son pinturas ajenas a las interpretaciones simbólicas o moralizantes. Así en estas obras, Tiziano se asimilaba a los poetas y proclamaba su libertad para interpretar los textos que visualizaba, principalmente en las Metamorfosis de Ovidio, pero también para representarlos con la imaginación cuando la lógica dramática lo exigía".(M. del Prado)

 

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Las visitas a esta sobresaliente exposición todavía pueden realizarse virtualmente gracias a la aportación de las últimas tecnologías de imagen. 

En nuestro artículo recogemos un pequeño resumen de algunas críticas publicadas así como varias fotografías de algunas de las magníficas obras que se exponen.

Más abajo se puede a visionar el vídeo  de la conferencia que el Prado utilizó para presentar la exposición a los medios.

                  

Pinche aquí para acceder al artículo.

Para acceder a la página de la exposición pinche aquí

Debajo insertamos la carátula del vídeo del recorrido de la exposición con Alejandro Vergara, jefe de conservación de Escuelas del Norte y Escuela Flamenca del propio museo (sólo en ordenador). Para verlo en youtube pinchar aquí

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Alexéi von Jawlensky. El paisaje del rostro

 

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Fundación Mapfre Madrid 11feb-09mayo 2021

Jawlensky fue un pintor expresionista ruso que nació en 1864 en la pequeña localidad de Torzhok, a medio camino entre Moscú y S. Petersburgo pero que desarrolló su carrera principalmente en Alemania, donde murió en 1941,con algunas incursiones a Suiza.

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Autorretrato

Transcribimos las palabras de presentación de la exposición del comisario de la muestra Itzhak Goldberg:

"En la producción artística de Alexéi von Jawlensky late una búsqueda a la vez plástica y espiritual que se materializa en una insistencia reiterada, casi ritual, en unos pocos motivos pictóricos. En sus memorias, el artista evoca dos hechos que se revelarían clave en esta evolución posterior: el primero, la impresión que le provocó, siendo niño, el momento en que un icono con el rostro de la Virgen era desvelado ante los feligreses en la iglesia ortodoxa a la que acudía con su familia; el segundo, su primera visita a una exposición de pintura en Moscú en 1880: "Era la primera vez en mi vida que veía cuadros y fui tocado por la gracia, como el apóstol Pablo en el momento de su conversión. Mi vida se vio por ello enteramente transformada. Desde ese día, el arte ha sido mi única pasión, mi sanctasanctórum, y me he dedicado a él en cuerpo y alma". (...)

 

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Su llegada a Múnich en 1896 le permitió establecer un contacto más estrecho con los avances de la vanguardia; su talento excepcional para el uso liberado del color le llevó a alcanzar en poco tiempo una personal sínteis entre el fovismo y el expresionismo. En 1909, fundó, junto a su amigo Kandinski, entre otros, un grupo artístico determinante para la historia de la modernidad, la Nueva Asociación de Artistas de Múnich, y participó asimismo en las actividades de Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), uno de los colectivos determinantes en la forja del lenguaje expresionista y de la abstracción. 

                                                                                                                                                                                   

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Tras unos inicios centrado en la naturaleza muerta y el paisaje, pronto comenzó a dar protagonismo a un tema que resultaría obsesivo a lo largo de toda su obra: el rostro. A él se dedicó durante casi tres décadas de manera obstinada, con la salvedad de las Variaciones, paisajes de colores arbitrarios en los que inauguraba otro elemento central en su trabajo y de gran influencia posterior: la serialidad. En su estudio de la faz humana, ese lugar donde depositamos la identidad, Jawlensky desdibuja paulatinamente la individualidad hasta llegar a una forma próxima al icono, a un arquetipo. Este tema omnipresente, familiar y enigmático a la vez, lleva al artista a un proceso de destilación que desemboca en un signo tan reconocible y connotado como el de la cruz."

Para ver un vídeo explicativo pinche aquí

Para acceder a la página de la exposición pinche aquí.  En ella encontrará dos archivos en pdf, para descargar, uno con un folleto sobre la misma y otro con los textos de sala y cartelas.

 

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Exposición en el Museo del Prado: Marinus. Pintor de Reymerswale

 

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Desde el 9 de marzo de 2021 hasta el 13 de junio de ese mismo año se encontró abierta la exposición que sobre este pintor flamenco poco conocido celebró el Museo del Prado. Marinus vivió entre 1533 y 1545 y se formó y trabajó en el gran centro comercial y artístico que entonces era Amberes. Su obra está muy influida por dos grandes maestros de la época,  Albert Durero y Quentin Massys, destacando por su interés por los temas de género y religiosos así como por su detallismo y gusto por la representación de elementos de la vida cotidiana como libros, pergaminos, telas, etc. 

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Su obra conocida es escasa, sólo hay 26 pinturas catalogadas suyas con seguridad -gran parte de ellas en Madrid-  aunque hay muchas más que se le atribuyen.

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En estos enlaces se puede acceder a: 

- Un vídeo explicativo de la exposición, de unos 15 minutos de duración.

Pinchar aquí 

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 - A la página de la exposición, en donde se encuentran dos contenidos multimedia, un vídeo explicativo sobre la restauración por parte del Museo de algunas de sus obras, un interactivo con descripciones detalladas de dos de las obras expuestas y más abajo varios comentarios sobre la exposición, catálogo, actividades alrededor de la misma, etc.

Pinchar aquí

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Exposición El Greco en Illescas. Museo del Prado

 

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Mientras se realizaban obras de adecuamiento en el santuario de la Virgen de la Caridad en Illescas, el Museo del Prado acogió en una de sus salas y hasta el 28 de febrero de 2021 algunas de las obras del Greco que allí se exponen, cinco concretamente, las cuales son comentadas en esta grabación por Leticia Ruiz, Jefa del Dpto. de Pintura Española del Renacimiento del Museo del Prado.

Ella comienza la explicación destacando el gran escenógrafo que fue ese pintor y que con su estilo fuertemente influido por el arte italiano, cambió la forma de concebir y realizar los retablos centrándolos sobre todo en el punto de vista del espectador.

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Después pasa a comentar una de las cinco obras expuestas, la de S. Ildefonso contemplando a La Virgen de la Caridad. Vemos una figura muy naturalista, con rasgos muy cercanos a la de cualquier persona del momento y sin nada que sugiera que se trata de un santo. Éste contempla con mirada dulce la imagen de la Virgen de la Caridad que, según la tradición, fue tallada en madera por S. Lucas y luego traída a España por S. Pedro hasta que en el siglo VII fue entregada a S. Ildefonso. Aquí lo vemos en el momento de escribir un tratado sobre la virginidad de la Madre de Dios.

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Sobre el cuadro de La Virgen de la Caridad comenta que el Greco no la trata como una virtud teologal sino más bien como la visión medieval que de esa virtud se tenía, la Virgen como gran protectora que cubre bajo su manto a los que confían en ella.  La conferenciante explica que en su tiempo este cuadro fue causa de disgustos y pleitos  para el pintor a causa de la escasa tasación que se hizo de su trabajo. Queriendo minusvalorarlo le reprocharon que había pintado en él a su hijo (cosa habitual en aquella época), en que había pintado reconocibles personas de entonces bajo el manto de la Virgen y  en otros supuestos defectos. Incluso se llegó a repintar después las figuras  bajo la capa protectora para convertirlos en tullidos, pordioseros, etc. y así permanecieron durante tres siglos hasta que  tras la Guerra Civil, una acertada restauración devolvió la pintura a su estado original.

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En La Coronación el Greco la representa junto a la Trinidad, rodeadas las figuras de “ángeles acrobáticos”, como hacía Tintoretto y otros pintores venecianos. Posiblemente esos "putti" están tomados de modelos previos en arcilla fabricados por él mismo y por eso vemos algunos repetirse en posiciones similares en otros cuadros. En esta última etapa el pintor acentúa el expresionismo de sus figuras, rasgo muy característico suyo y que no ha sido apreciado hasta hace bien poco. De hecho, comenta la narradora que el mismo José de Madrazo,  en una carta a un hispanista alemán,  le señalaba que si pudiera quitaría del Prado esas “mamarrachadas”, refiriéndose a las obras del Greco.

Para ver el vídeo pinchar aquí

 

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La restauración del Pórtico de la Gloria (en 4K)

 
 
 
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Gracias a la Fundación Barrié recientemente se ha concluido la restauración del famoso Pórtico de la Gloria de la catedral compostelana. El Pórtico, cuya construcción data del siglo XII, fue obra del Maestro Mateo, personaje de origen incierto (quizás francés, gallego o del resto de España) que al parecer ya antes había construido otras obras. Se sabe que poseía una solidísima preparación y era conocedor de todo lo que entonces se estaba realizando en otras partes de Europa. 
En esta portada Mateo -y su equipo de colaboradores, entre los cuales probablemente se encontraban clérigos-, se propone representar a la Ciudad Celeste basándose en el Libro del Apocalipsis de S. Juan y el Evangelio de S. Mateo (Juicio Final). El Pórtico servía como nártex o entrada a la iglesia "fin de ruta" que era la catedral de Santiago. Por él accedían al interior los peregrinos que culminaban la ruta del Camino, acogiéndolos como puerta de entrada a un nuevo mundo, a la Jerusalén Celeste. En su planteamiento recogió diversas tradiciones que provenían de sitios como Borgoña (entre torres), S.Denis (temas y composición), el arte italiano (los monstruos) etc.,  trabajando con materiales propios de la región -el mármol y el granito gallego-. También recogió añadidos de tradición hispano-árabe como las redomas (vasija de vidrio o cerámica de cuello estrecho) que sostienen algunos ancianos y que aparecen en algunos cristales o marfiles árabes.
 
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Anciano sosteniendo una redoma
 
Como bien podemos apreciar ahora, el Pórtico estaba pintado (en realidad ha sido repintado varias veces), utilizándose el color para acentuar determinadas características de los vestidos, el horror de los monstruos, etc.
Mediante el enlace que indicamos más abajo se puede acceder a la página que recoge esta obra monumental  así como las explicaciones sobre el desarrollo de los trabajos de restauración.  Las fotografías están realizadas en muy alta resolución lo que permite apreciar hasta el último detalle. Una peculiaridad muy interesante de esa página es que se han añadido pequeños fragmentos musicales basados en la reconstrucción de los instrumentos representados así como fotografías de modelos hechos a escala, junto a  la descripción detallada de cada uno de ellos.

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S. Juan, con el color de sus carnaciones restaurado.
 
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Ancianos con sus instrumentos musicales
 
 

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La otra Corte. Palacio Real de Madrid

 

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A continuación os invitamos a realizar una visita virtual a la siguiente exposición que se realizó durante el pasado tiempo de pandemia:

La otra corte. Mujeres de la Casa de Austria en los Monasterios Reales de las Descalzas y  la Encarnación.

La muestra era un resumen de la vida artística, religiosa y política de los Austrias españoles y  se componía de once salas donde se podían contemplar obras que se encuentran en dos importantes monasterios muy cercanos a la realeza, como el  de las Descalzas Reales, fundado en el siglo XVI por  Juana de Portugal o el Real Monasterio de la Encarnación  fundado por su nieto Felipe III y su mujer Margarita de Austria en el XVII. Tenía especial interés porque a algunas de estas obras normalmente no se puede acceder habitualmente por estar en espacios de clausura.

En ella había magníficos retratos renacentistas  como el de la reina Juana de Alonso Sánchez Coello, el majestuoso de su hija Isabel de Austria, reina de Francia, pintado por Jooris van Straeten (Jorge de la Rúa) y el de la emperatriz María de Austria por Pantoja de la Cruz. Son obras que indican que además de su carácter religioso, ambos cenobios eran también espacios cortesanos en donde se forjaban políticas de alto nivel.

  20 JUANA DE AUSTRIA, SANCHEZ COELLO  Juana de Austria

 

  20 Isabel de Austria reina de Francia

Isabel de Austria

 
20 Emperatriz Ma. de Austria, fundadora Descalzas R.

María de Austria

El Barroco de los siglos XVII y XVIII se puede apreciar en algunos retratos y especialmente  en el espectacular túmulo de Juana de Portugal, que se expuso por primera vez.

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Otros objetos presentes y de gran valor artístico son los relicarios, especialmente el de S.Víctor,  y la importantísima colección de tapices salidos del taller de Rubens  denominada  El Triunfo de la Eucaristía,  exponente  de la gran protección que la Casa de Austria otorgó a la Iglesia de la Contrarreforma.

 

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Relicario de S. Víctor

 

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Triunfo de la Eucaristía, Rubens

 

También hubo una excelente colección de escultura española del  XVII con algunas obras de dos de sus mejores representantes, Pedro de Mena y Gregorio Fernández.

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Dolorosa, Pedro de Mena

Aunque el recorrido es cronológico son los retratos de los personajes femeninos quienes estructuran la muestra: Juana de Portugal, su hermana la emperatriz María de Austria, la hija de ésta sor Margarita de la Cruz, la infanta Isabel Clara Eugenia, etc.  Estas prominentes mujeres fueron quienes en las Descalzas y en la Encarnación  situaron una segunda corte femenina  cercana al Real Alcázar desde donde se gobernaba el imperio.

El acceso virtual se puede realizar pinchando aquí

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Reencuentro con El Prado

 
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Elena, nuestra guía por Madrid perteneciente al equipo de Estudio de las Artes, nos remitió una serie de archivos videográficos sobre la excepcional exposición que se ofreció hace unos años en el Museo del Prado incluyendo a algunas de sus obras más importantes.
Los vídeos, siete en total,  están magistralmente comentados por profesores de ese colectivo. Seis de ellos, con una duración aproximada de veintitantos minutos cada uno, incluyen contenidos parciales y el séptimo de algo más de dos horas, es un compendio de todos.
Os animamos a que aprovecheis estos días de descanso para disfrutarlos.
 

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Historias del Arte

Para aquellos que estén interesados en profundizar en la Historia del Arte, os vamos a hacer un par de interesantes sugerencias.
En primer lugar os queremos recomendar la renombrada Historia del Arte de E.H.Gombrich. A través de sus páginas el autor  va repasando, con un lenguaje sencillo y ameno la evolución del Arte,  centrándose especialmente en explicar el tránsito de una corriente a otra, de una moda a otra y las razones  que llevan a los artistas a expresarse de una determinada manera.

La historia del arte - e.h. gombrich - phaidon - Vendido en Venta ...


Transcribimos el comentario sobre esta obra del portal Qué libro leo.com:

Es una de las obras sobre arte más famosas jamás publicadas. Durante más de cinco décadas no ha tenido rival como introducción al arte en su totalidad, abarcando desde las primeras pinturas rupestres hasta el arte experimental contemporáneo. Lectores de todas las edades y culturas han sabido hallar en el profesor Gombrich a un auténtico maestro, en quien conocimiento y sabiduría se conjugan con un don único para comunicar de manera clara su profundo fervor por las obras de arte objeto de su estudio. La historia del arte debe su amplia difusión a lo directo y espontáneo de su estilo, así como a la clara exposición del autor, quien afirma que su propósito es "ordenar inteligiblemente el caudal de nombres, períodos y estilos que colman las páginas de las obras más ambiciosas". Esto, unido a su íntima comprensión de la psicología de las artes visuales, nos permite contemplar la historia del arte como un continuo fluir e intercambio de tradiciones.

Como ejemplos, reproducimos algunos fragmentos del libro que describen la experiencia artística en tres importantes momentos: en el Egipto de los faraones, en la Italia del Renacimiento y a principios del pasado siglo.

Egipto
Algunos  de esos primitivos retratos de la edad de las pirámides –la cuarta dinastía del Imperio Antiguo- se hallan entre las obras más bellas del arte egipcio. 

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Hay en ellas una simplicidad y solemnidad que no se olvidan fácilmente. Se ve que el escultor no ha tratado de halagar a su modelo o de conservar una expresión momentánea. No se fijó más que en las cosas esenciales. Cualquier menudo pormenor fue soslayado. Tal vez sea precisamente por esa estricta concentración de las formas básicas de la cabeza humana por lo que esos retratos siguen siendo tan impresionantes, pues, a pesar de  su casi geométrica rigidez, no son tan primitivas como las máscaras nativas.
..los pintores egipcios  poseían un modo de representar la vida real completamente distinto del nuestro. Tal vez esto se halle relacionado con la diferencia de fines que inspiró sus pinturas. No era lo más importante la belleza, sino la perfección. La misión del artista era representarlo todo tan clara y permanentemente como fuera posible. Por ello no se ponía a tomar apuntes de la Naturaleza tal como ésta aparece desde un punto de mira fortuito. Dibujaban de memoria, y de conformidad con reglas estrictas que aseguraban la perfecta claridad  de todos los elementos de la obra. Su método se parecía, en efecto, más al del cartógrafo que al del pintor.
 


18 egipcio

..Cada cosa tuvo que ser representada en su aspecto más característico. La figura (arriba) muestra los efectos que produjo esta idea en la representación del cuerpo humano. La cabeza se veía mucho más fácilmente de perfil; así pues, la dibujaron de lado. Pero si pensamos en los ojos, nos los imaginamos como si estuvieran vistos de frente. De acuerdo con ello, ojos enteramente frontales fueron puestos en rostros vistos de lado. La mitad superior del cuerpo, los hombros y el tórax, son observados mucho mejor de frente, puesto que así podemos ver cómo cuelgan los brazos del tronco. Pero los brazos y los pies en movimiento son observados con mucha mayor claridad lateralmente. A esta razón obedece el que los egipcios, en esas representaciones, aparezcan tan extrañamente planos y contorsionados. Además, los artistas egipcios encontraban difícil presentar el pie desde afuera; preferían perfilarlo claramente con el dedo gordo en primer término. Así, ambos son pies vistos de lado y la figura del relieve parece como si hubiera tenido dos pies izquierdos. No debe suponerse que los artistas egipcios creyeran que las personas eran o aparecían así, sino que, simplemente, se limitaban a seguir una regla que les permitía insertar en la forma humana todo aquello que consideraban importante .


Renacimiento
Hemos visto que ni los griegos, que comprendieron el escorzoni los pintores helenísticos, que sobresalieron creando la ilusión de la profundidad  llegaron a conocer las leyes matemáticas por las cuales los objetos disminuyen de tamaño a medida que retroceden hacia el fondo. 

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Recordemos que ningún artista clásico podía haber dibujado la famosa avenida de árboles retrocediendo en el cuadro hasta desvanecerse en el horizonte. Fue Brunelleschi quien proporcionó a los artistas los medios matemáticos de resolver  este problema; y el apasionamiento a que dio origen entre sus amigos pintores debió de ser enorme. 
 
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La figura (arriba)muestra una de las pinturas ejecutadas de acuerdo con esas reglas matemáticas. Es una pintura mural de una iglesia florentina, y representa a la Santísima Trinidad con la Virgen y san Juan bajo la Cruz, y los donantes –un anciano mercader y su esposa- arrodillados fuera. El artista que pintó esta obra fue llamado Masaccio (14021-28) , contracción del aumentativo de su nombre Tomás…. Podemos  imaginarnos la sorpresa de los florentinos al descubrirse esta pintura mural, como si fuera un agujero en el muro a través del cual pudieran ver una capilla en el moderno estilo de Brunelleschi. Pero quizá quedaron más asombrados todavía ante la simplicidad y magnitud de las figuras encuadradas por esta nueva arquitectura.
Principios del Siglo XX
Picasso era hijo de un profesor de dibujo y en la Escuela de Arte de Barcelona fue una especie de niño prodigio. A  la edad de 19 años marchó a París donde pintó temas que habrían gustado a los expresionistas: mendigos, parias, vagabundos y gente de circo.

Pero evidentemente esto no le satisfacía y empezó a estudiar el arte primitivo al que Gauguin  y acaso Matisse habían dirigido la atención.       

 

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Podemos suponer qué es lo que aprendió de estas obras: la posibilidad de elaborar la imagen de un rostro o de un objeto con unos cuantos elementos muy simples,  lo cual era algo distinto a la simplificación de la impresión visual que habían practicado los anteriores artistas. Ellos redujeron las formas de la naturaleza a un esquema plano. ¿Acaso no existirían medios para evitar esa carencia de volumen al elaborar la imagen de objetos sencillos y sin embargo conservar un sentido de profundidad y solidez? . Éste fue el problema que le condujo a Cézanne. En una de sus cartas a un joven pintor Cézanne le aconsejaba contemplar la Naturaleza traduciéndola en cubos, conos y cilindros.

                                                            

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Probablemente quiso darle a entender que debía tener presente en todo momento al organizar sus cuadros la idea de tales formas sólidas básicas. Pero Picasso y sus amigos decidieron tomar el consejo al pie de la letra. Supongo que razonarían de un modo semejante al que sigue: hace tiempo que hemos renunciado a representar las cosas tal y como aparecen a nuestros ojos. Esto venía a ser un fuego fatuo que es inútil proseguir. Nosotros no queremos fijar sobre la tela la impresión imaginaria de un efímero instante. Seguiremos el ejemplo de Cézanne y elaboraremos el cuadro con nuestros propios temas tan sólida y permanentemente como podamos.¿ Por qué no ser consecuentes y aceptar el hecho de nuestro verdadero fin es construir antes que copiar algo?. Si pensamos en un objeto, pongamos por ejemplo un violín, éste no aparece ante los ojos de nuestra mente tal como sería visto por nuestros ojos corporales. Podemos pensar, y en efecto lo hacemos así, en sus diferentes aspectos a un mismo tiempo, algunos de ellos se destacan tan claramente que nos parece que podemos tocarlos y manejarlos, otros son un tanto confusos y sin embargo esta extraña mezcolanza de imágenes expresa mejor el verdadero “violín” que lo que cualquier instantánea o cuadro minucioso pueda contener. Este supongo sería el modo de razonar que condujo a obras como el bodegón del violín, de Picasso.


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En algunos aspectos este cuadro representa un retorno a lo que hemos denominado los principios egipcios, de acuerdo con los cuales un objeto se dibuja por el ángulo desde el que se advierte más claramente su forma característica. La voluta y una clavija están vistas de lado, tal como las imaginamos cuando pensamos en un violín. Los agujeros de la caja, por otra parte, están vistos de frente, ya que de lado no resultan visibles. La curvatura lateral de la caja está muy exagerada, de conformidad con nuestra sobreestimación del pronunciamiento de tales curvas cuando imaginamos la sensación que nos produce el pasar nuestra mano a lo largo de los  bordes de dicho instrumento. El arco y las cuerdas flotan en el espacio; éstas incluso se repiten, una vez frontalmente, otra dirigidas hacia la voluta. A pesar de esta aparente confusión de formas inconexas – y hay más de las que enumero-, el cuadro no aparece, en realidad, desordenado. La razón de ello estriba en que el artista ha construido su cuadro con  fragmentos más o menos uniformes, de modo que el conjunto ofrezca una apariencia consecuente, comparable a la de obras del arte primitivo, como el poste totémico americano.
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ARS HISPANIAE
 

La otra gran obra que recomendamos es la enciclopedia referida exclusivamente al Arte en España de la que es muy difícil encontrar ejemplares a no ser en el mercado de segunda mano. Se trata de Ars Hispaniae, un monumental compendio que en sus 22 volúmenes ilustrados con abundantes fotografías abarca toda la historia del arte español, desde el prehistórico hasta el siglo XX. En su elaboración intervinieron figuras tan importantes como Manuel Gómez-Moreno, Leopoldo Torres Balbás,José Gudiol,Fernando Chueca Goitia, Diego Angulo y José María Ázcárate entre otros.

 
Mediante el enlace de abajo se puede acceder a la página de la Universidad Autónoma de Barcelona en donde esta obra está contenida en 56 iconos (varios por cada tomo). Pinchando en cada uno se puede visualizar su contenido e incluso descargarlo. 

Aquí os ofrecemos un par de ejemplos de su contenido:



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Los Mapas y la Primera Vuelta al Mundo
 
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Por sugerencia de nuestro compañero Juan Carlos Martínez os invitamos a realizar una visita virtual a la exposición Los mapas y la primera vuelta al mundo. La expedición de Magallanes y Elcano que con motivo del V Centenario de la primera vuelta al mundo, el Instituto Geográfico Nacional presentó en la página que detallamos más abajo. 
También allí podeis visitar otras interesantes exposiciones relacionadas con la cartografía en nuestra península.
 

Para acceder a la página de la exposición pinchar aquí.

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Rodin y Giacometti en la Fundación Mapfre
 
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En los pasados tiempos de pandemia no nos fue posible organizar visitas presenciales a las exposiciones de arte pero podíamos entonces y también ahora asistir a ellas gracias a internet. Para la que se presentó en la Fundación Mapfre de Madrid,Rodin-Giacometti, a continuación os facilitamos dos enlaces. 
El primero os llevará a un PowerPoint  con 15 diapositivas de textos explicativos  y fotografías de algunas de las obras.
El otro remite a una página de rtve donde además de abundar en dichas explicaciones, hay también un instructivo vídeo comentando la exposición.



Para acceder a la página de rtve pinchar aquí.

 Antonio Guerrero - Visitas exposiciones de arte

 

 

 
Movimiento Moderno en Arquitectura
 
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En el siguiente enlace os remitimos a una interesante presentación en PowerPoint donde se explica, mediante textos y fotografías, la gran importancia que para la historia de la Arquitectura ha tenido el llamado Movimiento Moderno que se inició a principios del pasado siglo XX. 
Comienza analizando el contexto histórico donde se originó esa corriente así como sus antecedentes y las diversas escuelas y tendencias que engloba. En sucesivas láminas se examinan sus características técnicas, materiales y sistemas constructivos así como el urbanismo que originó. Aparecen nombres tan fundamentales de la arquitectura como las Escuelas de Chicago y de Glasgow, los arquitectos Frank Lloyd Wright y Le Corbusier  entre otros y movimientos tan relevantes como el Expresionismo arquitectónico y el Art Decó.


Para ver la presentación pinche aquí

 Antonio Guerrero - Visitas exposiciones de arte

 

 

 

Vidrieras madrileñas siglos XIX y XX
 
 
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Hace un tiempo Rodrigo García-Quismondo nos facilitó una serie de sorprendentes archivos sobre las vidrieras madrileñas de los siglos XIX y XX para incluirlos en este blog de Arte  en línea y así poder contemplar la singular belleza de estas obras. 
Han sido realizados  por el grupo "Estudio de las Artes" que es quien nos guía en las salidas que realizamos a Madrid habitualmente y de quienes tenemos  autorización para divulgarlos. Ellos son Elena y Arturo, a los que todos los que nos habeis acompañado conocéis y que amablemente ponen sus trabajos a nuestra disposición.
Saludos a todos y esperamos que os guste.
 
Arte y Pandemia en la Historia
 
La extraordinaria situación que hemos vivido hace unos años a causa del Covid19 desgraciadamente no fue una situación tan excepcional como podríamos pensar sino que han sido muchas las ocasiones en las que la humanidad se ha tenido que enfrentar a otras crisis epidemiológicas  que se cobraron -y se siguen cobrando- millones de vidas.
Una buena idea de ello nos la da el interesante artículo cuyo extracto transcribimos abajo, publicado en la revista científica Magotzi de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo (México) donde se describe las diversas epidemias que ha tenido que afrontar la humanidad, algunas reflejadas en importantes obras de arte. La última parte, por ser revista mexicana,  la dedican especialmente a aquellas producidas en el Nuevo Mundo  por la conquista española.
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MAGOTZI Boletín Científico de Artes del IA

Publicación semestral, Vol. 9, No. 17 (2021) 1-8

 

Las pandemias en la historia y en el arte

Introducción

Vivimos tiempos difíciles, el surgimiento de la pandemia causada por el nuevo coronavirus Sars-Cov 2 ha puesto al mundo al revés. Algunos consideran que es el mayor desafío que ha enfrentado la humanidad desde la segunda guerra mundial. Es posible afirmar que México (de hecho todo el mundo) vive un parteaguas histórico a raíz del brote del Covid 19 en China a finales del año pasado. Como hacía mucho que no se experimentaba una pandemia de tales dimensiones, se trata de una experiencia nueva y única para la mayoría de la población, al grado de afirmarse que nunca volveremos a la antigua “normalidad”, sin embargo, no debemos perder de vista que las epidemias y las pandemias han sido una constante a lo largo de la historia de la humanidad y México no ha sido la excepción.

Entre las epidemias históricas hay algunas que parecen verdaderas historias de terror, como la peste negra del siglo XIV que acabó con poco menos de la mitad de la población europea (se cree que fue llevada a Europa por los mercaderes de Marco Polo), o la “gripe española” de principios del siglo XX que nuestros abuelos recuerdan, que mató aproximadamente a 40 millones de personas en todo el mundo.

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Pacientes de la epidemia de gripe de 1918 en el hospital de Fort Riley, Estados Unidos.

Las pandemias en el mundo

Muchas son las epidemias y las pandemias que ha sufrido la humanidad, tal vez la de la mal llamada “gripe española”, sea la que más fácilmente recordemos porque de ella podemos revisar registros, fotografías y estadísticas. Sin embargo, no fue sino una más de las muchas que han sometido al ser humano y que lo han obligado a tomar medidas extremas. Podemos decir que a pesar de que la pandemia del coronavirus se cierne sobre casi la totalidad del mundo conocido, no causará tantas muertes como las del pasado. Los daños serán diversos, no solo la economía se verá afectada, las relaciones familiares, laborales y el estilo de vida se modificarán, al menos durante los primeros años después de que esta crisis termine. Hemos sido puestos a prueba, en todos los campos, buscamos soluciones para un problema que nos tomó por sorpresa e independientemente de nuestras fortalezas y debilidades, todos estamos sometidos a una gran presión y a la incertidumbre.

Mirando hacia el pasado podemos redescubrir cómo fue que otras generaciones lidiaron con situaciones similares. Desde el campo de las artes, tanto la literatura como las artes visuales ofrecen variados ejemplos. Boccaccio escribió su célebre obra El Decamerón, después de la terrible epidemia de peste bubónica que azotó Florencia en el año 1348. Inicia la obra contando como diez jóvenes, siete mujeres y tres varones se refugiaron huyendo de la peste en una villa cercana a Florencia. En esos tiempos, la gente se aislaba para protegerse del contagio de la terrible enfermedad, sin embargo, esto recuerda el célebre cuento de Edgar Allan Poe La máscara de la muerte roja, en el que plantea que a pesar de todas las precauciones y el aislamiento, la enfermedad llega sin ser invitada hasta el aislado palacio. Otras obras de autores contemporáneos como Saramago, en Ensayo sobre la ceguera, exploran magistralmente esta temática. No podemos olvidar tampoco ese apasionado relato romántico El amor en los tiempos del cólera de Gabriel García Márquez. Al igual, es notable es la obra de Daniel de Foe Diario del año de la peste, en la que realizó una crónica de la terrible epidemia que asoló Londres en el siglo XVII. Y qué decir del magistral relato de Albert Camus La Peste, en donde narra una imaginaria plaga de peste que sufrió la ciudad de Orán en pleno siglo XX.

También han sido varios los artistas que han plasmado en sus obras las epidemias que han asolado a la humanidad. Durante el medievo se realizaron ilustraciones como la del enterramiento de las víctimas de la peste negra en Tournai, en la que está presente la desesperación y el miedo.

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Anónimo, Ilustración Medieval. Enterramiento de las víctimas de la plaga en Tournai (Bélgica). Ilustración 1349.

Por otro lado artistas como el flamenco Josee Lieferinxe en su obra San Sebastián intercede en una epidemia de peste (1499), nos muestra la intervención del santo como remedio para vencer a la enfermedad.

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 Josee Lieferinxe. San Sebastián intercede en una epidemia de Peste. 1499. Óleo sobre tela.

 Otra obra realizada con el mismo propósito es La virgen de Patavia, pintada por Gabriel de Nuz en 1724, el cuadro pertenece al acervo artístico de la catedral de Tulancingo, en su cartela de donación se lee: “NS del auxilio de Patavia, abogada contra todo mal, de peste”.

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 Gabriel de Nuz. Virgen de Patavia. (Detalle) 1724.

Archivo.Catedral de San Juan Bautista. Tulancingo, Hgo.

Años antes, otro artista barroco el flamenco Michiel o Michael Sweerts realizó un cuadro donde retrata la epidemia que sufrió la ciudad de Atenas en el año 430 a.C. Esta terrible plaga tuvo un primer brote ese año y volvió a aparecer en los veranos siguientes hasta que en el año 427 a. C. se consideró extinta. Aunque se conoció como la peste de Atenas en realidad no se sabe con certeza de que enfermedad se trató, se especula que pudo tratarse de tifus, peste bubónica, escarlatina, fiebre hemorrágica o una combinación de todas las anteriores. Esto nos demuestra cómo desde tiempos remotos, las plagas han sido difíciles de vencer y de conocer a fondo sus causas; por otro lado, las consecuencias son siempre medibles y traen aparejadas la mortandad y la crisis económica.

Sweerts perteneció al grupo de pintores flamencos radicados en Roma conocidos como los Bamboccianti, quienes desarrollaban pintura de género en la que retrataban temas y personajes de la vida cotidiana; este cuadro sale de la temática habitual del artista aunque se sabe que está inspirado en un grabado de Raimondi conocido como Il Morbetto que es a su vez una copia de un dibujo de Rafael realizado para ilustrar un brote de peste que sufrieron unos refugiados troyanos en la isla de Creta. En la obra se aprecia a una multitud dispersa en una explanada en la que se pueden observar algunos edificios públicos, es notable la expresión desesperada plasmada en algunos rostros y la artística belleza con la que retrata a los muertos. En la parte inferior izquierda podemos ver a un niño que trata de alimentarse de la madre muerta, dotando a la escena de un gran dramatismo que se resalta con el contraste entre luces y sombras tan características del barroco.

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 Michiel Sweerts. La Peste de Atenas c. 1652– 1654    Museo de Arte de la ciudad de Los Ángeles

Solo una pequeña muestra de cómo generaciones pasadas enfrentaron la enfermedad a través del arte.

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 La peste acaba con una víctima. Códice Stini. Biblioteca Universitaria, Praga

Las pandemias en el México antiguo

En la antigüedad se creía que las epidemias eran castigo de Dios por el pecado y que era necesario hacer actos públicos de arrepentimiento y contrición, y así surgieron imágenes religiosas protectoras (o les adjudicaron dicha virtud a las ya existentes); grupos flagelantes que recorrían los pueblos golpeándose la espalda hasta sangrar fueron una de las muchas manifestaciones de fe pública contra la enfermedad. La misma Virgen de Guadalupe fue invocada como protectora ante la epidemia de matlazáhuatl de 1737.

 

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 José de Ibarra (dibujante) y Baltazar de Sotomayor (grabador).

Frontispicio para el escudo de armas de México de Cayetano Cabrera Quintero, 1734

Prácticamente no se tiene información sobre epidemias durante el periodo prehispánico pues mucha de la sabiduría antigua se perdió con la destrucción de los códices, pero las enfermedades contagiosas hicieron mucho ruido cuando llegaron a América a bordo de los barcos europeos a fines del siglo XV y principios del XVI. Elsa Malvido (2003) sugiere que la conquista de América significó el inicio de una guerra bacteriológica debido a las enfermedades traídas por los europeos, aunque este efecto no haya sido deliberado. En su estudio, propone que debido a las pandemias, epidemias y endemias, resultado de la conquista española, la población de la Nueva España se redujo en un siglo hasta en un 90%, tal como lo habían propuesto en su momento los célebres estudios de Cook y Borah (1977).

Al estar comunicada con el resto del mundo conocido, Europa había sufrido a lo largo de la historia la presencia de todo tipo de entes patógenos que creó en la población la llamada inmunidad de rebaño. Al llegar a América en 1492, los europeos trajeron consigo dichos microorganismos, provocando desde 1517, una epidemia de viruela que hizo estragos en las Antillas. Como es sabido, la población nativa antillana prácticamente desaparec ió durante los primeros 20 años de presencia española y esto se debió en gran parte precisamente a las epidemias. Esa fue una de las razones por las que los españoles decidieron importar a las Antillas esclavos africanos que trabajarían en sus plantaciones y minas. Para 1521, la población originaria de las Antillas (taínos principalmente), había disminuido en más de un 90%.

Sin la inmunidad que otorga la misma enfermedad, las poblaciones de la América continental también fueron presa de dichas enfermedades. Se dice por ejemplo que el negro Francisco de Eguía que venía con la hueste de Pánfilo de Narváez que envió Diego Velásquez desde Cuba para apresar a Hernán Cortés, diseminó la viruela a través del abasto de agua a la gran Tenochtitlán, y esa, se considera, fue la estocada final para acabar con la resistencia mexica y el triunfo español del 13 de agosto de 1521. Pero es muy probable que desde las anteriores expediciones (Hernández de Córdoba en 1517 y Juan de Grijalva en 1518), ya haya habido contagios hacia la población de lo que ahora es México. Pero también es posible que no haya sido solo el negro mencionado (el dato lo aporta Bernal Díaz del Castillo) y que probablemente más personas de la hueste de Cortés traían la viruela, pues se trata de una enfermedad muy contagiosa.

Los demógrafos del periodo novohispano temprano calculan que la mortandad epidémica de origen europeo hizo pasar a la población nativa entre 1519 y 1600, de aproximadamente 20 millones a solo 2 millones de indígenas. Se considera que en cuatro siglos, desaparec ió de lo que ahora es México, el 90% de la población indígena (Borah, 1982).  

Pero por supuesto no todo fue enfermedad, ya que hay que agregar la explotación y la propia guerra de conquista. Muchas poblaciones que aparecen en mapas y relatos virreinales tempranos ya no existen, en parte por la política de congregaciones que consistió en reunir en pueblos a los pobladores dispersos para facilitar el cobro de diezmos e impuestos.

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 “Empetatados” listos para ser cremados durante la gran epidemia de cocoliztli/matlazáhuatl de 1544-45.

Códice Telleriano Remensis


Con estos datos, es posible pensar que los verdaderos genocidas no fueron los conquistadores españoles sino los gérmenes que traían. Esto se comprueba si vemos que los ingleses no provocaron en la India una catástrofe demográfica como ésta porque los hindúes tenían inmunidad. Los euroasiáticos tuvieron miles de años para adaptarse a la aparición de nuevos gérmenes, los americanos no por el aislamiento continental. Los pobladores que pasaron por el estrecho de Bering venían  padeciendo frío, no traían consigo enfermedades de tipo tropical. También es necesario considerar que en América había muy pocos animales en contacto directo con los humanos, los animales criados eran solamente el guajolote, el perro y las abejas, mientras que los españoles trajeron caballos, asnos, vacas, cabras, ovejas y cerdos.

Otras enfermedades que diezmaron a la población nativa de México fueron la parotiditis, el tifus, el sarampión, las paperas, la difteria, la influenza, la peste, el tabardillo, algunas de estas se combinaron para formar enfermedades compuestas, provocando resultados desastrosos (Prem, 2000). El cocoliztli volvió a aparecer esporádicamente entre los siglos XVI y XVIII y en ocasiones se le llamó matlazáhuatl. Ese tuvo efectos devastadores en los periodos 1575-76, 1588, 1585-96, 1641, 1667 y 1698. No se sabe con  certeza qué enfermedad era el matlazáhuatl, pero algunos creen que era el tifus, que se propagaba a través de las ratas y los piojos. Fue hasta el siglo XX cuando se inventó la vacuna contra el tifus, pero este sigue siendo mortal en el tercer mundo, al igual que el ébola y la malaria.

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 Enfermos de viruela. Bernardino de Sahagún, Historia General de las Cosas de la Nueva España, 1938

Conclusiones

La verdadera globalización del siglo XVI no fue cultural ni económica, sino microbiana, el encuentro de dos mundos fue mucho más biológico que cultural. Como hemos visto, las epidemias y las pandemias han estado presentes a lo largo de la historia de la humanidad, y algunas de ellas se han plasmado en el arte. Las poblaciones han sufrido, pero a la par, han sobrevivido a ellas, a pesar de lo agresivo que pudieran resultar.

Es paradójico que, con todo el avance científico, la población actual esté a merced del contagio y que de la misma forma que en el pasado, la mejor prevención sea la reclusión domiciliaria. El nuevo coronavirus estará presente entre nosotros por muchos años más y, con seguridad, aparecerán nuevos virus a los que tendrán que enfrentar generaciones futuras. La capacidad del ser humano para ser resilientes y lograr la inmunidad, aunado con los avances científicos y tecnológicos, serán piezas claves para afrontar esa nueva calamidad, sin olvidar que debemos prepararnos en un futuro al surgimiento de otras epidemias y pandemias.

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Otras obras relacionadas con las pandemias a lo largo de la historia:
 
                             
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El triunfo de la Muerte, Pieter Bruegel el Viejo

12 Pieter Bruegel the Elder The CripplesLos Lisiados, Pieter Brueghel el Viejo.

              Pintor: Edvard Munch ( ). Escuela Noruega. Título: Autorretrato después de la gripe española Galería Nacional de Oslo. Este cuadro nos muestra la imagen del artista convaleciente después de padecer la gripe. Entre los años 1918 y 1919, se produjo la epidemia de gripe más grave que se ha conocido, estimándose en cerca de 40 millones las personas muertas a causa de la pandemia. La enfermedad comenzó en el sudeste asiático propagándose rápidamente por todo el mundo gracias a las movilizaciones militares de la I Guerra Mundial. España fue uno de los países más afectados con muertos.

Autorretrato Después de la Gripe Española, Edvard Munch

            12 Keith Harring

Keith Haring. Ignorance = Fear / Silence = Death

            12 Therese Frare

Retrato del Activista David Kirby y Familia, Therese Frare 



                               Antonio Guerrero - Exposiciones                                                          

 

Museo Thyssen-Bornemisza. Imprescindibles I,II y III

El Museo Thyssen de Madrid ha publicado tres vídeos, uno por cada planta, con unos excelentes comentarios  que acompañan a algunas de sus obras más importantes. 

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PARTE I

El primer vídeo comienza comentando el Retrato de Giovannna Tornabuonide Ghirlandaio. Se trata de una joya de la colección del museo en donde el pintor representa de perfil a su idealizada modelo con un estilo basado en la antigüedad clásica y que reúne el ideal de belleza del Renacimiento: belleza, serenidad, delicadeza, etc.

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Después  se  examina el Joven Caballerode Vittore Carpaccio intentando descubrir quién fue en realidad el joven representado a la vez que analiza la diversa simbología  que el pintor incluyó para definir las virtudes del representado.



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Jesús entre los doctores, de Durero es la tercera obra analizada. Durero es el representante del Renacimiento alemán con gran influencia entre los artistas de su tiempo –siglo XVI-  y posteriores. Aquí   funde la perfección, belleza y armonía del Renacimiento italiano con el carácter alemán de la representación de lo visible tal cual es.

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La última obra comentada en esta primera parte es Sta. Catalina de Alejandríade Caravaggio, representante de una de las dos tendencias artísticas tras el Concilio de Trento, la naturalista, iniciada por Caravaggio frente a la clasicista de los hermanos Carracci. Ambas darán lugar al movimiento Barroco, con su teatralidad, claroscuros, etc.

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PARTE II

Este segundo vídeo recoge los comentarios de cinco interesantes obras.

Grupo familiar ante un paisaje, de Frans Halls. Este artista holandés fue famoso por su retratos, modalidad  muy demandada por creciente burguesía de su país. Halls es uno de los que más han destacado en retratos tanto individuales como colectivos  y en sus obras se puede apreciar el distinto tratamiento con que trabaja  los rostros y a los ropajes de sus personajes.

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Mañana de Pascua,  de Caspar David Friedrich.  Friedrich  es el mayor representante del romanticismo alemán en pintura. Esta obra está cargada de un fuerte simbolismo que  el comentarista va desvelando para concluir que se trata de un cuadro religioso cuya finalidad es exponer  que la muerte no es el final. Misticismo a través del paisaje.

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Les Vessenots en Auvers, de Van Gogh. Pertenece a la última etapa del pintor y en ella refleja su propia inestabilidad emocional –se suicidaría un par de meses después- . Son pinceladas vehementes y repetitivas, cargadas de pintura. Presenta por primera vez una visión emocional del paisaje lo que hace de Van Gogh el primer representante del subjetivismo artístico a través de la técnica, algo que los románticos ya habían hecho pero a través del tema.

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Fränzi ante una silla talladade Ernst Ludwig Kirchner. Esta pintura es un icono del expresionismo alemán y en ella se puede apreciar la influencia del arte primitivo por las formas arcaicas y el uso de un lenguaje esquemático alejado de la realidad. La cara parece una máscara.

Habitación de hotel, de Edward Hopper. El pintor adopta la visión de otro huésped que pasara delante de una habitación con la puerta abierta en un hotel cualquiera . Presenta a una figura en sombra que evoca la soledad y frialdad de una habitación despersonalizada con contraste de luces y sombras que aumentan el dramatismo de la escena mientras que el equipaje representa una historia que debemos imaginar.  En definitiva el cuadro viene a simbolizar la incomunicación del hombre moderno.

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PARTE III

Esta tercera y última parte está dedicada a la planta baja del museo. En esta grabación se comentan cuatro obras representativas del arte del pasado siglo.

 

New York City.3 (inacabado).Piet Mondrian.

Presenta una vista de la ciudad de Nueva York desde arriba, como un plano. Mondrian perteneció al movimiento Neoplasticista que buscaba lo permanente dentro de lo universal (líneas rectas, colores primarios, figuras geométricas y  bidimensionalidad) unido a la búsqueda del equilibrio.

                                        MONDRIAN_New York City, 3_679 (1983.17)

Arlequín  con espejo. Pablo Picasso. 

Tras las II Guerra Mundial hay una vuelta al orden en general y Picasso volvió al clasicismo. Este melancólico arlequín para algunos podría ser un autorretrato. Está mirándose al espejo, como una Venus del espejo (Velázquez, Tiziano..) hablándonos del amor y de la belleza además de otros posibles significados.

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Retrato de George Dyer en un espejo. Francis Bacon

El autor transforma la foto del retratado, amante suyo en esa época, en una imagen rota y desordenada además de distorsionada. Presenta un rostro roto, con la piel levantada, para mostrar su interior que podría ser el de cualquiera, dada su falta de individualidad, símbolo del hombre contemporáneo.

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Mujer en el baño. Roy Lichtenstein. A base de pequeños puntos y con un estilo sencillo y gráfico que recuerda al comic el autor presenta a una mujer que responde al canon de belleza femenino que se fue creando desde finales de los años 40. Es un estilo pop que conecta el arte y la cultura popular tomando elementos de cada uno de ellos para crear una nueva obra artística a partir de una imagen banal, cuestionando los criterios artísticos convencionales.

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Para acceso al primer vídeo pinche aquí  Duración 10 m.

Para acceso al segundo vídeo pinche aquí  Duración 14 m.

Para acceso a los tres vídeos pinche aquí  Duración del tercero  11 m.

   Antonio Guerrero - Visitas a museos

 

La Gioconda del Museo del Prado

 

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En el vídeo del Museo del Prado que os proponemos se detalla el estudio técnico y la reparación de la copia de la Gioconda que se encuentra en el Prado.

La grabación está dividida en dos partes, en la primera la investigadora del Gabinete de Documentación Técnica del Museo Ana González,  hace un estudio técnico señalando tanto las coincidencias como las diferencias con el original del Louvre.  Ambas pinturas, nos dice, coinciden en muchos aspectos aunque fue distinto el artista que las hizo. Las razones para afirmarlo las va detallando durante su exposición y son entre otras, que ambas son hechas con los mismos y caros materiales, coincidiendo también en las correcciones y en los dibujos a mano alzada, etc.. Sin embargo la copia evidencia una menor maestría en el uso del sfumato –es un dibujo más lineal- entre otras importantes diferencias.

                                                                                           

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Ana González, investigadora

 

En la segunda parte, gracias a la exitosa restauración de Almudena Sánchez, restauradora del Prado, ahora se puede contemplar el paisaje de fondo, muy parecido al original y que durante mucho tiempo  -unos doscientos cincuenta años- estuvo oscurecido por razones que se desconocen. Afortunadamente, dice, el cuadro se ha conservado muy bien y ha tenido muy pocas pérdidas gracias entre otras cosas a que los materiales utilizados eran de primera calidad.

 

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                                                                               Antes restauración             Restaurado

En el segundo vídeo la obra es comentada por Miguel Falomir, actual director del Prado y en donde viene a insistir en lo ya anotado pero además señala al alumno de Leonardo,  Francesco Melzi, como su posible autor, concluyendo que aunque la copia del Prado no es una obra maestra sí que es muy importante para conocer las prácticas pictóricas del taller de da Vinci.

 

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Miguel Falomir,director del Prado

 

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Gioconda.  Louvre                        Gioconda. Prado

Podríamos preguntarnos ¿por qué, siendo tan parecidas una es una obra maestra y la otra sólo una buena copia? . Para contestar esta pregunta acudamos al famoso historiador de arte E.H. Gombrich quien en su conocida Historia del Arte señala que lo asombroso de esta obra, que parece vivir, se basa en el famoso invento de Leonardo, el sfumato, que consiste en dejar borrosos los contornos y suavizar los colores de forma que se puedan fundir las sombras y dejar siempre algo a la imaginación del espectador. 
Genialmente Leonardo centró su atención en las partes más importantes del retrato: las comisuras de los labios y las puntas de los ojos, que son precisamente lo que el artista dejó más inciertas. Por eso  el espectador, en el original,  nunca sabe cómo lo mira realmente la Mona Lisa, no sucediendo igual en la copia que, aunque de mucha calidad, su dibujo es más lineal.

 

 Para acceder al vídeo sobre estudio técnico y reparación pinche aquí

Para acceder al vídeo sobre el comentario de Miguel Falomir  pinche aquí

                 Antonio Guerrero  - Visitas a museos

                                                                                                                                                                                       

 

Real Academia de Bellas Artes de S.Fernando.Madrid

 

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Entre los museos que se pueden visitar virtualmente en Madrid se encuentra el de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando cuya colección guarda valiosas obras de artistas españoles y extranjeros desde el siglo XVI hasta el XX con autores tan importantes como Goya, Rubens, Van Dyck, Ribera, Alonso Cano, etc. así como varias salas de Escultura Vaciados Históricos.

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 Para acceder a las obras, algunas con detallada explicación, hay que moverse a través de  su página web pinchando aquí


 

        Antonio Guerrero - Visitas a museos

                                                                                                                                                                       

 

Goya. La marquesa de Sta. Cruz y Vuelo de brujas

 

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Goya. La marquesa de Sta. Cruz

 

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Goya. La marquesa de Sta. Cruz

En esta oportunidad proponemos la magnífica conferencia celebrada en el Museo del Pardo a cargo de quien fue su jefa de Conservación de Pintura del siglo XVIII y Goya, Manuela Mena. Disertó sobre  dos importantes obras de Goya, El Vuelo de brujas y La Marquesa de Sta. Cruz, revelando las considerables dificultades que entrañó para el museo la adquisición de estas dos pinturas tan fundamentales. Por ejemplo cuenta cómo se le escapó  al Prado la primera en una subasta en 1985 por 275.000 pesetas para tener luego que pagar por su adquisición 75 millones quince años después. También las investigaciones  e intensas y difíciles negociaciones para adquirir  La Marquesa de Sta. Cruz que fue fraudulentamente sacada de España en 1983.

Además de manifestar la gran importancia que le otorga a estas dos pinturas, M. Mena  se adentra en explicar el significado y simbología subyacente en la de Vuelo de brujas así como la gran  valoración que le merece  La Marquesa de Sta. Cruz, a pesar de la campaña que hubo en los medios, cuando se adquirió, para desprestigiarla como obra menor. Una conferencia muy instructiva.

 

Para acceder al vídeo de la conferencia pinche aquí  Duración:  1h. 5m.

 

  Antonio Guerrero - Visitas a museos

                                                                                                                                                                    

 
Museo del Prado. Obras Maestras
 
07 FRA.ANG.

 

Afortunadamente gracias a la tecnología podemos recorrer, virtualmente, algunos de los grandes museos y exposiciones. En esta ocasión os invitamos a visitar la Colección de Obras Maestras del Museo del Prado. Probablemente muchos ya la conoceréis pero para aquellos que nunca lo hayan hecho, además de facilitar la dirección de la página de internet, vamos a dar algunas indicaciones para poder disfrutarla en todo su contenido.


Para acceder a la página de Obras Maestras pinchar aquí

Instrucciones:
Una vez en la página principal de Obras Maestras aparece en primer lugar  La Anunciación de Fra Angélico.  A su derecha una flecha nos permite movernos y elegir cualquiera de las otras obras que irán apareciendo.
Elegida una de ellas hay clicar en el interior de la misma con lo cual se agrandará y aparecerá a su derecha el símbolo de unos auriculares. Pinchando en ellos podremos escuchar una descripción de la obra durante unos tres minutos aproximadamente pero también debajo de la obra podemos leer  un comentario sobre la misma, desplegable.
Más abajo se encuentra el apartado de MULTIMEDIA donde nos aparecerán varios vídeos con comentarios o conferencias relacionados con la obra que estamos  contemplando.
Y por último, más abajo aparece la ficha técnica de la obra junto con otros datos como bibliografía, ubicación etc. además de reseñar otras obras del mismo autor que se encuentra en El Prado, a las cuales se puede acceder de la misma forma.
 
                                              
      Antonio Guerrero - Visitas a museos
                                                                                                                                                                                                           
 
Beruete. Naturaleza y paisaje
 
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En esta conferencia celebrada en el Museo del Prado, Josefina Gómez catedrática emérita de Geografía en la UAM describe la historia de la pintura paisajística española a partir de la figura de Aureliano de Beruete, alumno de Carlos de Haes que fue maestro también de otros pintores paisajistas españoles que vinieron detrás como Agustín Riancho, Jaime Morera, Darío de Regoyos, Sorolla, etc.. Según afirma, prácticamente no hubo pintura paisajística española hasta el siglo XIX, exceptuando algunos paisajes de fondo en cuadros de el Greco, Velázquez Goya. Incluso ya en ese siglo Federico de Madrazo todavía se refería desdeñosamente a ese género como de segunda categoría.
Comenta que el paisaje empezó a valorarse con Petrarca S.Agustín en el sentido de percibirlo  como una correspondencia entre el exterior y el interior de quien lo contempla. Luego describe su importancia en el Romanticismo con pintores tan notables como el alemán Caspar D. Friedrich y el geógrafo y naturalista A.von Humboldt  quien lo concebía como un todo unificado a partir de sus elementos inseparables y exigía a los pintores ser especialistas en geología, botánica etc.  .

                                                                           

La ponente también hace una especial mención a la importancia que el paisaje, como elemento capital de la Naturaleza , tuvo en el krausismo y su influencia en Francisco Giner de los Ríos y en  la Institución Libre de Enseñanza. Ésta era partidaria de un modelo pedagógico  basado en una educación práctica y no dogmática por lo que el contacto con la Naturaleza era un elemento fundamental de ahí que organizaran frecuentes excursiones a la Sierra. Son las mismas convicciones que posteriormente inspiraron la creación de las Universidades Populares  y que como herencia de aquella Institución, forman parte de nuestro ideario como UPCM y así están recogidas en nuestra página de Presentación.
Termina la conferencia relatando los diversos avatares por los que ha pasado la Sierra de Guadarrama hasta que se ha podido conseguir que se establezca en ella un Parque Nacional, aunque con importantes limitaciones.         


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Anton van del Wyngaerde. Vista de Madrid. 1.562



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Beruete.Vistas de Madrid desde la pradera de S. Isidro 
                                 

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Beruete. El Guadarrama
                                 

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 Velázquez. El príncipe Baltasar Carlos de caza (detalle)

 

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Goya. La pradera de San Isidro


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C.D.Friedrich. El caminante sobre el mar de nubes


06 GINER DE LOS RÍOSSorolla.  Giner de los Ríos
Para acceder al vídeo de la conferencia pinche aquí  Duración: 50 m. 
                                                                                                                                            
     Antonio Guerrero       Visitas a museos 
       

 

El retrato en Rembrandt

 

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 Dadas las circunstancias de confinamiento durante la pandemia de covid nos fue imposible ofrecer visitas a museos o exposiciones de arte de forma presencial pero afortunadamente, sí que pudimos realizarlas virtualmente, como a la formidable exposición del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid titulada Rembrandt y el retrato en Ámsterdam 1.590 – 1.670  que tuvo lugar entre febrero y agosto de 2.020. A continuación os transcribimos algunos comentarios, muy interesantes, del famoso historiador de arte E.H.Gombrich sobre el retrato en Rembrandt y otros aparecidos en revistas de arte sobre este tema. Más abajo os facilitamos enlaces para una visita virtual a la exposición.

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 En los retratos de Rembrandt nos sentimos frente a verdaderos seres humanos, con todas sus trágicas flaquezas y todos sus sufrimiento…Como Shakespeare, se diría que fue capaz de introducirse bajo la piel de todos los tipos de hombres, y de saber cómo se habrían conducido en una situación determinada…Los que están acostumbrados a los hermosos personajes del arte italiano se horrorizan cuando ven por vez primera los cuadros de Rembrandt, porque éste no parece haberse preocupado en absoluto de la belleza ni tan sólo haber huido de la fealdad sin ambages. Como Caravaggio, estimó la verdad y la sinceridad por encima de la belleza y la armonía. (Hª del Arte. E.H.Gombrich.)

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La genialidad de aquellos que desarrollan el género del retrato reside, ante todo, en su capacidad de dotar de alma a un rostro. Algunos pintores del Siglo de Oro holandés se acercaron a este propósito, pero quien lo logró con creces fue Rembrandt, que brilló por su excelencia en la pintura, el dibujo y el grabado. Al mismo tiempo, se exponen numerosos retratos de artistas contemporáneos a Rembrandt y que también desarrollaron sus obras en la capital holandesa. De esta manera, se pueden establecer paralelismos y divergencias entre sus cuadros y los de pintores como Dirck Santvoort, Govert Flinck, Frans Hals (residía en Haarlem pero tenía clientes en la capital), Bartholomeus van der Helst o Ferdinand Bol, entre otros. (Descubrir el arte.es)

 

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Desde sus inicios en Ámsterdam a principios de la década de 1630, Rembrandt dio a sus modelos una libertad de movimiento poco usual. Como Frans Hals en Haarlem, Rembrandt abrió en Ámsterdam nuevos caminos, inmortalizando a sus clientes en poses dinámicas que sugerían interacción con el espectador e incorporando al género del retrato aspectos que había desarrollado ya en sus escenas mitológicas, religiosas o de historia, como las cualidades narrativas, el uso del claroscuro o la representación de las emociones humanas. A lo largo de los años se fue centrando cada vez más en los rasgos esenciales de sus modelos, en especial en los rostros. Sus pinceladas enérgicas y, especialmente en su última época, cargadas de materia pictórica han llevado a especular sobre los objetivos artísticos del pintor, que parecía estar más interesado en la representación de caracteres que en el parecido físico del retratado. En esta misteriosa cualidad radica el secreto de la atracción que ejercen hoy en día sus retratos, incluso 350 años más tarde, sobre el público que los observa.(Revista de arte.com)

 

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Para acceder al vídeo introductorio pinchar aquí   Duración 3:30 m.

 

Para acceder a la visita virtual pinchar aquí

  Antonio Guerrero-Visitas a exposiciones de arte

 

El Bosco. Su influencia en el arte actual

 

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 Agustín Sánchez

Proponemos en esta ocasión la charla que impartió el catedrático emérito de la Universidad de Zaragoza Agustín Sánchez Vidal sobre La influencia de El Bosco en las artes contemporáneas . Él es especialista en Literatura Española, Cine y Otros Medios audiovisuales y autor de varios libros sobre figuras tan importantes como Buñuel, Dalí o Lorca además de novelas galardonadas con varios premios.

En su disertación el conferenciante arranca indicando los posibles lugares de donde El Bosco pudo recoger sus extrañas imágenes (de los márgenes de los manuscritos, de las gárgolas..) para después ir desvelando su influencia hasta el arte moderno pasando antes por la que ejerció en pintores españoles como Goya especialmente,  pero también en  MiróDalíSolana y otros.  Menciona a  Freud y su obra “Psicopatología de la vida cotidiana” donde se refiere a  lo marginal, lo reprimido y desatendido, tan perceptible en la obra bosquiana. Sánchez Vidal señala así mismo cómo  en el  Primer Manifiesto Surrealista en octubre de 1924 André Bretón presentó al Bosco como un ejemplo y lo consideró un visionario. La exposición termina recorriendo su la huella en todas las artes actuales -pintura,cine, teatro,danza, etc.-.

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Danza 

Para acceder al vídeo de la conferencia pinchar aquí.   Duración : 1 h.

  Antonio Guerrero-Visitas a museos

 

Restauración de un cuadro de Brueghel el Viejo

 

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                                                                                                   Elisa Mora

 Relacionada con otra conferencia propuesta sobre el mismo cuadro, os invitamos ahora a ésta, más breve, sobre la restauración de esa obra de PBrueghel el Viejo cuya adquisición por El Prado es relativamente reciente, en el año 2.010. Es la propia restauradora, Elisa Mora quien durante la charla va detallando el complicado proceso de su restauración.

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El vino en la fiesta de S. Martín. P. Brueghel el Viejo. Antes y después de su restauración


Para acceder a la conferencia pinchar aquí  Duración: 10 m.

 Antonio Guerrero-Visitas a museos

                       

Descubrimiento de un cuadro de Brueghel el Viejo

 

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El vino de la fiesta de S. Martín. Brueghel el Viejo

Esta conferencia que os ofrecemos trata sobre la investigación y posterior compra de la obra de Brueghel el Viejo por dos grandes expertos en arte flamenco, Pilar Silva y Manfred Sellink . Este último describió el proceso como "Uno de los descubrimientos más notables en el arte del norte de Europa en décadas".  

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  Pilar Silva   

 

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Manfred Sellink

 La disertación estuvo a cargo de Pilar Silva, Jefe de Dpto. de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Prado  y Manfred Sellink, Director del Musea Brugge. La encargada de su restauración fue Elisa Mora, que junto  a Almudena Sánchez y Gemma García, han visto reconocida su labor  con el Premio Nacional de Restauración el pasado año por la calidad de su trabajo.

 

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Elisa Mora

 

Para acceder a la conferencia pinche aquí Duración : 1h.5m.                                 

Antonio Guerrero-Visitas a museos

 
El museo de la Fundación Masaveu
 
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Esta fundación es uno de los museos más interesantes  de Madrid gracias a su riqueza en obras de pintura española y en ella se realizan periódicamente exposiciones sobre diversos temas relacionados con las obras expuestas.  Para conocerla mejor vamos a facilitar varios enlaces: el primero sobre la exposición que se realizó en 2.023 bajo el título "Pintura española del siglo XIX. De Goya al Modernismo", después el de un documental sobre la fundación realizado por rtve y luego el de varias  conferencias sobre temas u obras expuestas. Por último un par de conexiones sobre obras de dos importantes autores, Madrazo y Goya.

ENLACES
    - Presentación de la exposición.-  pinchar aquí          

    - Programa de tve. La aventura del saber. La Fundación Masaveu . Pinchar aquí

CONFERENCIAS
  - Todas las conferencias.- Pinchar aquí                   

COMENTARIOS
   - F. de Madrazo. Inés Pérez de Seoane. -  Pinchar aquí                             

   - F. de Goya. Banderilleros.- Pinchar aquí       

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